Photographe célèbre contemporain : 10 artistes majeurs

Partons à la rencontre de ces photographes célèbres contemporains qui ont marqué par leurs styles et particularités cette noble discipline. Laissez-vous conduire dans ce musée virtuel de la photographie contemporaine dont je serai, le temps d'un article, votre guide.

D'Andreas Gursky et ses paysages démesurés aux portraits monumentaux de JR, en passant par les autoportraits de Cindy Sherman et les filatures de Sophie Calle, chacun a imposé un univers que l'on reconnaît au premier regard.

Nous prendrons le temps d'analyser ce qui les caractérise et de voir, par le prisme de leur œil de photographe, ce que ce regard peut nous apprendre dans notre propre pratique.

Qu'est-ce qu'un photographe célèbre contemporain ?

Avant de débuter notre visite, laissez-moi vous expliquer ce que l'on entend par contemporain.

Pendant plus d'un siècle, on a surtout demandé à la photographie d'être fidèle. Elle servait à garder une trace, à témoigner, à rendre le monde tel qu'il se présentait. On jugeait une image à la maîtrise du métier : la lumière juste, le cadrage sûr, l'instant saisi au bon moment. Le photographe regardait le réel et le rapportait.

La photographie contemporaine a renversé ce rapport. L'image a cessé d'être un simple témoignage pour devenir une œuvre à part entière, pensée et composée comme un peintre pense sa toile. Le photographe ne se contente plus de saisir ce qui existe : il le met en scène, le recompose, l'interprète à sa manière. Ce qui fait la valeur d'une photographie n'est plus sa fidélité au réel, mais l'idée qui la porte et la raison qui l'a fait naître.

C'est là, dans cette intention, que se reconnaît un photographe célèbre contemporain. Et c'est elle que nous allons lire ensemble, une œuvre après l'autre.

À la rencontre de dix photographes célèbres contemporains

Martin Parr

Notre visite commence au Royaume-Uni, devant le travail d'un photographe qui a bouleversé la tradition documentaire. Là où le documentaire social photographiait le réel pour en témoigner, le plus souvent en noir et blanc, Martin Parr y a introduit la couleur saturée, l'humour et l'ironie. Son sujet reste le même tout au long de sa carrière : la société de consommation et ses excès, le tourisme de masse, la nourriture, les loisirs, ces habitudes ordinaires où se lisent aussi les écarts entre les classes.

Sa série la plus célèbre, The Last Resort, en donne toute la mesure. Entre 1983 et 1985 à New Brighton, Parr y photographie les familles modestes en vacances dans une station balnéaire en plein déclin, et fait de leurs loisirs les plus ordinaires le miroir des classes populaires anglaises à l'heure du thatchérisme.

Pour cela, il fait un choix audacieux pour l'époque : la couleur. C'est à travers des teintes saturées qu'il dépeint la misère sociale, brute et sans concession. Le noir et blanc, selon lui, pare cette misère d'une touche esthétique et nostalgique dont il ne veut pas. Il lui préfère les couleurs de la publicité, celles-là mêmes qui vantent la société de consommation, et s'en sert pour la montrer telle qu'elle est. Ce passage à la couleur, confiait-il, lui servait d'abord à porter un regard critique sur son époque.

Et Parr ne s'est jamais placé au-dessus de ce qu'il montrait. Lui-même collectionneur compulsif d'objets kitsch, il est allé jusqu'à se mettre en scène dans des autoportraits volontairement ridicules. En se moquant ainsi de lui-même autant que des autres, il s'interdit tout mépris.

À sa sortie, en 1986, The Last Resort a fait scandale : on a reproché à Parr de montrer les classes populaires sous un jour peu flatteur, certains allant jusqu'à y voir du voyeurisme. Le jugement s'est inversé depuis. Parr est aujourd'hui tenu pour l'un des photographes documentaires les plus importants de sa génération, celui qui a renouvelé le genre en y introduisant la couleur et l'ironie, et a fait de la société de consommation son grand sujet.

Nan Goldin

Poursuivons notre visite avec l'Américaine Nan Goldin, qui a elle aussi utilisé les couleurs saturées pour mettre en lumière une société en proie à la toxicomanie et à l'une des maladies les plus terribles des années 1980, le sida. Installée à New York à la fin des années 1970, elle prend pour modèles ses amis, ses amants et ses proches, sans s'oublier elle-même. Son œuvre est marquée par les drames et par la mort des siens, emportés par le sida.

Son œuvre la plus célèbre est The Ballad of Sexual Dependency, un journal de sa propre vie en images. Projeté d'abord dans les clubs sous forme de diaporama accompagné de musique, puis publié en 1986, il rassemble des centaines de photos prises sur le vif : l'amour, le sexe, la fête, la drogue, et la violence qu'elle a elle-même subie. Goldin y a photographié ses amis malades jusqu'à leurs derniers jours, pour garder une trace d'eux et rompre le silence qui entourait alors l'épidémie.

Ce combat ne l'a plus quittée. Devenue elle-même dépendante à l'OxyContin, un antidouleur, au point de frôler l'overdose, elle a porté un combat de plusieurs années contre les Sackler, la famille qui en avait tiré fortune. Avec son collectif, elle a mené des actions coup de poing dans les plus grands musées du monde, du Guggenheim au Met, et les a contraints, un à un, à retirer le nom des Sackler de leurs murs. Des murs comme ceux que nous longeons en ce moment.

Cindy Sherman

Changeons de salle et restons aux États-Unis avec Cindy Sherman. C'est ici une artiste atypique que nous retrouvons, à la fois photographe et modèle de ses propres œuvres. Elle se met en scène, se grime, se pastiche afin de dénoncer les stéréotypes de la représentation féminine et le conformisme de notre société moderne. Elle procède ainsi depuis ses tout premiers travaux, en 1975.

Entre 1977 et 1980, Sherman réalise Untitled Film Stills, une série de photographies en noir et blanc qui lui vaut une reconnaissance internationale. Elle s'y met en scène dans les rôles féminins stéréotypés du cinéma des années 1950 et 1960, et dénonce ainsi une certaine image des femmes que le cinéma, la publicité et la mode cherchent à imposer.

Si le féminisme fut l'une de ses batailles, son véritable sujet est l'identité elle-même. Elle l'explore en se glissant dans d'innombrables personnages, des maîtres de la peinture ancienne (History Portraits, 1988-1990) aux clowns grimaçants (Clowns, 2003-2004), avec des trucages volontairement grossiers, faux nez, fausses poitrines, perruques criardes.

Son œuvre fut plus commentée qu'expliquée, car Sherman n'a jamais théorisé son travail, qui garde pour cela sa part de mystère.

Gregory Crewdson

Quelques pas plus loin nous attend Gregory Crewdson. Pour comprendre ses images, il faut remonter à son enfance. Fils d'un psychanalyste qui recevait ses patients à la maison, le jeune Gregory surprenait des bribes de leurs confidences. Ces récits d'adultes tourmentés le marqueront profondément et nourriront toute son œuvre, où il dénonce l'envers du rêve américain.

Pour cela, Crewdson travaille comme un cinéaste, et revendique l'influence de Spielberg et de Lynch. Il repère de petites villes du Massachusetts, fait vider leurs rues qu'il éclaire et met en scène comme un plateau de tournage, quitte à reconstituer certains décors en studio. Autour de lui, une équipe qui compte parfois plus de cent personnes et des mois de préparation, le tout pour une seule photographie. Sa série la plus connue, Beneath the Roses (2003-2008), déroule ces scènes à la tombée de la nuit, dans une lumière bleutée et crépusculaire.

Chacune de ses images est un arrêt sur image, une scène de vie entièrement construite et scénarisée. On ignore ce qui a précédé et ce qui va suivre, il ne reste qu'un moment suspendu, chargé d'une angoisse indicible, qui crée un trouble chez le spectateur. Crewdson parle lui-même d'images figées dans le silence. Professeur à Yale, il est aujourd'hui l'un des grands maîtres de la photographie mise en scène.

Sophie Calle

La salle suivante nous ramène en France, auprès de Sophie Calle. Toute son œuvre part d'une même idée : faire de sa propre vie, jusqu'à ses moments les plus intimes, une œuvre. Pour cela, elle écrit, photographie, filme, met en scène des performances, et mêle souvent tous ces moyens.

Elle a grandi parmi les artistes amis de son père, Arman, Martial Raysse ou Christian Boltanski, lui donnant envie de se tourner vers la création. Après un passé militant et sept ans de voyages, elle rentre à Paris seule et sans projet, et se met à suivre des inconnus dans la rue, à noter leurs trajets et à les photographier. Le jeu la prend. En 1979, elle invite des gens à venir dormir quelques heures dans son lit, les photographie et consigne tout, leurs positions, leurs mots, le petit-déjeuner qu'elle leur prépare. Un critique remarque ce travail, Les Dormeurs, et l'invite à la Biennale de Paris. C'est lui, dira-t-elle, qui a décidé qu'elle était une artiste.

En 1980, elle prend en filature un homme qu'elle connaît à peine, le suit jusqu'à Venise et tient le journal photographié de cette poursuite, ce sera Suite vénitienne. L'année suivante, elle se fait engager comme femme de chambre dans un hôtel vénitien et photographie, trois semaines durant, les objets oubliés par les clients pour imaginer leur vie.

C'est dans sa propre souffrance que naîtra son œuvre la plus connue. En 2007, elle représente la France à la Biennale de Venise avec Prenez soin de vous, à partir du courriel par lequel un amant venait de la quitter, et qui se terminait par ces mots, « prenez soin de vous ». Elle ne répond pas. Elle confie la lettre à cent sept femmes et demande à chacune de l'analyser avec les outils de son métier, transformant son chagrin en une œuvre collective. Ses photographies témoignent de la solitude et des souffrances de l'artiste, qu'elle partage afin que nous nous les appropriions et participions à cette fresque de vie.

Thomas Struth

En Allemagne nous attend Thomas Struth. Fils d'une mère céramiste, il a sans doute pris très jeune le goût de l'art auprès d'elle. Son travail commence dans les années 1970, dans la rue : il installe sa chambre en plein milieu de la chaussée et photographie des rues ordinaires et désertes, partout dans le monde. À travers ces façades et ces perspectives, c'est une question qui l'occupe, celle de savoir comment nos villes, par leur organisation, pèsent sur notre manière d'y vivre et de nous y croiser.

Au milieu des années 1980, Struth se tourne vers le portrait de famille. L'idée lui vient du psychanalyste Ingo Hartmann, qui étudiait les photos de famille apportées par ses patients pour comprendre les rapports à l'intérieur du foyer. Struth reprend cette intuition : il installe sa chambre chez les gens et les laisse se placer librement, debout ou assis, où ils le veulent. Il photographie alors l'indicible, et cherche à saisir, à la place que chacun occupe, les rapports qui se jouent dans le groupe.

Plus tard viendra sa série la plus célèbre, consacrée aux musées. À partir de 1989, il photographie les visiteurs arrêtés devant les grands tableaux, et par là même la transmission culturelle, cette manière qu'a une œuvre du passé de nous parvenir et d'agir encore sur ceux qui la regardent.

En 2007, Struth obtient l'accès à des lieux fermés au public, des usines, des laboratoires, ou les machines démesurées du CERN, qu'il photographie désertes. Il y révèle les immenses systèmes scientifiques et industriels sur lesquels repose notre monde, et que presque personne n'a jamais vus. Reconnu dans le monde entier, Struth est aujourd'hui l'un des plus grands photographes de son époque. Ses sujets sont très divers, mais une même question les relie, notre rapport à notre environnement, la façon dont nous le façonnons et dont il nous façonne en retour.

Andreas Gursky

Nous restons en Allemagne, avec un autre élève des Becher, Andreas Gursky. Fils et petit-fils de photographes, il a baigné dans ce métier depuis l'enfance.

Gursky est l'un des pionniers de la photographie numérique. Il décrit notre société par le biais de fresques immenses, parfois hautes de deux mètres et larges de trois. Sa plus connue, 99 Cent, montre les rayons d'un supermarché américain où s'alignent à perte de vue des milliers d'articles colorés.

Ces immenses tirages, où chaque détail est d'une parfaite netteté, créent le trouble chez le spectateur, qui ne sait plus où regarder. L'œil humain est en effet incapable de reproduire cet effet dans la réalité, nos yeux s'accommodant selon les distances. Ici, rien ne nous échappe : le spectateur est noyé dans cette foule de détails et peut à la fois tout observer.

Cette perfection, Gursky l'obtient sur ordinateur. Dès 1992, par des procédés complexes, il assemble plusieurs prises de vue d'un même lieu, pousse les couleurs et efface ce qui le gêne. Rhein II en est l'exemple le plus parlant, une portion du Rhin réduite à quelques bandes horizontales, l'eau, l'herbe, le ciel. Pour atteindre cette image presque abstraite, il a gommé une usine et un promeneur qui encombraient sa composition.

« L'art ne doit pas rendre compte de la réalité, mais chercher ce qui se cache derrière », dit Gursky.

C'est tout son travail, un monde qu'il ne se contente pas de photographier, mais qu'il recompose pour en révéler la vérité cachée. Cette œuvre, Rhein II, fut d'ailleurs longtemps la photographie la plus chère jamais vendue aux enchères, adjugée plus de quatre millions de dollars en 2011.

Rinko Kawauchi

Changement d'échelle complet avec la Japonaise Rinko Kawauchi, qui photographie les détails les plus infimes du quotidien. Ses images se reconnaissent à son format carré, le 6×6, à de jolis tons pastel et à son amour de la lumière diffuse. Après des études d'art à l'université Seian, elle commence dans la publicité avant de se consacrer pleinement à la photographie. En 2001, elle se fait connaître en publiant simultanément trois livres, Hanako, Utatane et Hanabi, qui lui valent l'année suivante le prestigieux prix Kimura Ihei.

Kawauchi écrit des haïkus pour accompagner ses images. Le haïku est un court poème japonais qui saisit un instant fugace en quelques mots à peine, et ses photographies procèdent de la même façon. Comme un poème se lit vers après vers, elles se regardent en série : elle les rassemble en livres, où chaque image en éclaire une autre.

Derrière ces images revient toujours le même sujet, le cycle de la vie et de la mort, qu'elle retrouve dans une fleur qui s'ouvre puis se fane. Cette attention aux plus petites choses lui vient d'une sensibilité shinto, pour qui chaque être, si minuscule soit-il, possède une âme. Rien n'est donc jamais trop insignifiant pour elle, qui cherche partout l'extraordinaire caché dans l'ordinaire.

Zanele Muholi

Notre visite se poursuit en Afrique du Sud, avec Zanele Muholi, qui se définit avant tout comme « activiste visuel ». Personne non binaire, Muholi naît à Umlazi, un township de Durban. Après s'être installé à Johannesburg, l'artiste y étudie la photographie en 2002, au Market Photo Workshop fondé par le photographe David Goldblatt. Toute son œuvre sert un même combat : documenter et archiver sans relâche l'existence, les luttes et la résistance de la communauté noire LGBTQIA+ d'Afrique du Sud, et combattre le racisme et les violences que subissent ses membres.

En Afrique du Sud, la Constitution garantit l'égalité depuis 1996, mais dans les faits, les personnes noires LGBTQIA+ restent exposées au rejet et à de graves violences. Son grand projet, Faces and Phases, répond directement à cela. Depuis 2006, Muholi y rassemble des centaines de portraits en noir et blanc de femmes lesbiennes et de personnes transgenres, que l'artiste nomme une à une pour en faire une archive, et donner un visage et une place à une communauté longtemps restée invisible.

Dans une autre série, Somnyama Ngonyama, « Salut à toi, lionne noire » en zoulou, c'est Muholi qui pose. L'artiste se transforme en une multitude de personnages, en se parant d'objets du quotidien, des gants de ménage, une éponge métallique, qui rappellent le travail domestique. En accentuant le noir de sa peau, Muholi revendique fièrement sa « Blackness », son identité noire.

Pour Muholi, l'engagement dépasse la photographie. L'artiste a cofondé le Forum for the Empowerment of Women et la plateforme Inkanyiso, qui donne la parole à la communauté LGBTQIA+. Ce travail, à la fois politique et artistique, lui a valu en 2026 le prix Hasselblad, la plus haute distinction de la photographie, qu'ont reçu avant Muholi des maîtres comme Nan Goldin ou David Goldblatt.

JR

Notre visite s'achève en France, avec JR, le maître du trompe-l'œil géant. Il s'empare des monuments les plus célèbres du monde et les transforme le temps d'une illusion, en les recouvrant de collages photographiques en noir et blanc imprimés sur des centaines de mètres carrés.

Son œuvre la plus connue est la disparition de la pyramide du Louvre. En 2016, il recouvre l'une de ses faces d'une photo du palais situé derrière elle, et la pyramide semble s'effacer, le Louvre retrouvant son aspect d'avant sa construction. En 2019, pour les trente ans de la pyramide, il fait l'inverse : un immense collage sur toute la cour Napoléon donne l'illusion de la voir surgir du sol, au fond d'un gouffre.

JR a réalisé ce genre d'illusions partout dans le monde. Au Trocadéro, il a fait apparaître un canyon sous la tour Eiffel. En Égypte, sur le plateau de Gizeh, il a fait léviter le sommet d'une pyramide, tenu par une main géante sortie du sable.

Avec ses immenses performances, JR expose l'art aux yeux de tous, y compris de ceux qui ne vont jamais voir d'expositions. C'est sur cette idée que se referme notre visite, avec l'artiste qui a fait du monde entier sa galerie.

Un dernier arrêt, mon atelier

Avant de nous quitter, permettez-moi un dernier arrêt, plus personnel : mon propre travail. Je ne me compare évidemment pas à ces grands artistes, mais tous ont nourri mon regard et m'inspirent au quotidien. Après avoir parcouru leurs salles, j'aimerais vous montrer à mon tour mes images.

Depuis mes débuts en photographie, une même obsession me suit : rapprocher la photographie de la peinture, deux disciplines qui m'ont toujours attiré. Le dessin fait le lien entre les deux. Je reprends mes images à la tablette graphique, parfois après avoir travaillé le flou de mouvement ou superposé plusieurs expositions, pour en faire des œuvres qui tiennent autant du tableau que de la photographie.

Si cette approche vous a plu, je vous invite à découvrir mes photographies artistiques, et peut-être à faire l'acquisition d'un tirage.

Questions fréquentes